Los Abuelos de la Nada. "Cosas Mías" 1986

Producido: Ruben Aprile/Miguel Abuelo
Ingeniero: Mario Breuer

Esta joya es la última editada por Miguel Abuelo grabada por la tercera formación de Los Abuelos, ya sin Cachorro Lopez y Andrés Calamaro. Inicialmente iba a ser un proyecto de Miguel solista llamado Miguel Abuelo en Banda, pero Pelo Aprile, dueño del sello Interdisc y productor ejecutivo del disco, convenció a Abuelo para que lo llame Abuelos de la Nada ya que las ventas de los anteriores discos todavía eran grandes. Miguel aceptó entonces. La banda estaba formada por su sobrino de 18 años Marcelo Chocolate Fogo en bajo,en guitarra Kubero Diaz (un antiguo amigo y excelente músico con mucha historia en el rock), Juan Del Barrio en teclados (que ya venía tocando en vivo con los antiguos Abuelos y ex integrante de Jade y Sueter), y Polo Corbella, único sobreviviente de la banda con la formación más famosa, en batería (después sería reemplazado por Pato Loza). Es un discazo. Más allá de algunas fisuras de producción (se nota la falta de Cachorro aquí). Miguel solía decir que este disco era el último capricho del Dios de turno y que Los Abuelos era una banda que te preparaba para tirarte de un piso 19.
La presentación de Cosas Mías fue en el Teatro Opera. Dieron cuatro funciones pero como el disco no tuvo mucha difusión (porque Miguel se había peleado con los ejecutivos de la distribuidora), no estuvo lleno total. De todas formas, el tema que da nombre al disco fue un éxito hasta llegar a las hinchadas del futbol argentino.
Después de estas presentaciones se unió el saxofonista Willy Crook, que conocía a Miguel porque este salía con Claudia, tía de Willy. La misma Claudia fue quien llevó a Miguel a una fiesta en la casa de Luca Prodan (con quien Miguel venía enfrentado porque el pelado los bardeaba públicamente. Aunque un día se lo cruzó en un bar y al grito de pelado botón mamón lo invitó a pelear a la calle. Luca se fue sin decir nada). Esa noche cuando Luca abrió la puerta y lo vio con Claudia le dijo: "si venís con ella debes ser buena persona" Ahí limaron asperezas para siempre. Dos semanas después el cantante de Sumo moriría en su casa de San Telmo, Miguel lo acompañaría tres meses más tarde.

Pescado Rabioso. "Artaud" 1973

Producido: Luis Alberto Spinetta/Jorge Alvarez
Ingeniero: Norberto Orliac

Voy a caer en el cliché. Este es el mejor disco del rock nacional. La realidad supera la novedad. La maravilla hecha álbum. Este fue el segundo disco de la carrera solista de Luis Alberto, más allá de que aparezca con el nombre de Pescado por un tema contractual de la compañía discográfica. Spinetta contaba con solo 23 años a la hora de grabar esta joya y ya había disuelto dos de las mejores bandas de la escena local: Almendra y Pescado Rabioso. En el medio había grabado el primero que llamó Spinettalandia y que es una burla a su antigua compañía que le exigía un disco más con Almendra. Llamó a varios amigos músicos (Miguel Abuelo, Pappo, etc) e hicieron un disco rarisimo pero excelente con la intención de verduguear a los ejecutivos de dicha empresa.
Para la grabación de Artaud convocó a sus ex compañeros de Almendra, Emilio Del Guercio en bajo y Rodolfo García en batería, sumando también a su hermano Gustavo Spinetta también en batería. Luego diría que eran los únicos musicos que entenderían realmente lo que el quería ejecutar en el disco. Artaud se presentó ese año en el Teatro Astral con Spinetta solo en la guitarra. Estos shows se pueden encontrar en la web, solo el audio. Recomiendo escuchar lo que Spinetta dice entre tema y tema. Es increíble la facilidad que tenia Luis para comunicarse con su publico siendo serio y divertido a la vez.
El contenido lírico de este álbum poco tiene que ver con el poeta francés al que refiere el titulo, más allá de que Spinetta era lector fanático casi de Antonine. El flaco trata de poner un manto de lucha y esperanza a lo largo de las nueve canciones que componen esta obra. El disco es innovador, desde su letras hasta su tapa irregular hecha por Juan Oreste Gatti. Las influencias van desde Led Zeppelin hasta Bob Dylan, pasando por Castaneda en las composiciones líricas. Es un disco sin fisuras, que muestra a un Luis inspirado y que lo pondría como uno de los referentes del rock argentino para siempre.

The Beatles. "Album Blanco o Album sin nombre" 1968

Producido: George Martin
Ingeniero: Geoff Emerick

Este es el mejor disco que se haya grabado en la historia de la música de rock (una aseveración personal pero son de las cuestiones a las que no me someto a debate). En el año 1968 las relaciones estaban bastantes tensas entre los miembros de la banda. Las sesiones comenzaron a principios de año en Abbey Road. Para ese momento, John había conocido a Yoko, Paul planeaba su boda con Linda mientras terminaba de promocionar la película de Yellow Submarine, George estaba de viaje por la India y Ringo estaba pensando en dejar la banda. A su vez, los cuatro estaban muy afectados por la muerte de su amigo, representante y mentor Brian Epstein, ocurrida en agosto de 1967. Esto no fue un tema menor ya que Brian era quien intercedía siempre que había algún tipo de conflicto entre los miembros. La muerte de Epstein no solo fue dolorosa sino también que dejo un espacio vacío que Lennon y McCartney quisieron llenar cada uno con su liderazgo. Ese año, en 1967, Paul se había puesto al hombro el proyecto Pepper que culminó con lo que sería la obra maestra (según todos) de la banda de Liverpool. McCartney había quedado en el centro y a Lennon esto no le gustaba nada. Es decir, John Lennon, entendés. Claro. Los egos empezaron a chocar fuerte. Por eso Harrison se fue de viaje buscando respuestas en la religión y Ringo ya no aguantaba más esos tira y afloje de los dos líderes. 

El disco entonces se grabó en medio de toda esa locura. Un día, Harrison entró al estudio diciendo que había traído un amigo para que toque el solo en "Gently Weeps". Cuenta la leyenda que John y Paul lo miraron y le dijeron que se deje de joder, que ya tenían bastantes problemas para agregar uno más. Ante la insistencia de Harrison, los otros cedieron y permitieron que su amigo grabe. Finalmente, el solo es el que quedó grabado después de que Lennon y McCartmey quedaron fascinados con este joven guitarrista amigo de Harrison: Eric Clapton se llamaba.

Estas tensiones hicieron que cada uno componga por su lado y en el estudio pegaban algunos arreglos y detalles para cerrar los temas. El resultado de estas peleas fueron las mejores composiciones de los cuatro, incluyendo por primera vez una de Ringo (Don´t pass me by). El disco es doble porque metieron todo, inclusive un tema que Lennon detestaba como "Obladi Oblada". A causa de esto John incluyó "Number 9", que no es más que ruido de voces de él y Yoko. Tiene 17 temas el primero y 13 temas el segundo. Una Joya.

Charly Garcia. "Yendo de la cama al living" 1982

Producido: Charly García

Ingeniero: Amilcar Gilabert

Este es el primer disco de la carrera solista de Charly. Después de separar a Serú, inició su recorrido en solitario con esta joya única. Es un álbum doble. El primero, Pubis Angelical, forma parte de la banda sonora de la película de Raúl de la Torre que lleva el mismo nombre, basado en una historia del escritor argentino Manuel Puig. Son todas piezas instrumentales, excelentes joyas que están a nivel de cualquier concertista. Pero García no es concertista, (quizás porque no quiso serlo o quizás porque no pudo) sino que es un músico de rock. El segundo disco (Yendo de la cama al living) son canciones que te pegan directamente en la frente. Abre con el tema que da nombre al disco, con una especie de suspiro eructivo de García como librándose de algún espíritu del pasado. Es un tema que puede hacer referencia al bajón cocainómano, al aburrimiento en sí, o simplemente sea una canción de amor. Sigue "Superhéroes", una canción de la primera época de Garcia que reflota. A continuación, la más combativa y descriptiva. La guerra de Malvinas marcó a todos. Charly no fue la excepción. "No bombardeen Buenos Aires" habla del conflicto en si. Le pega al poder, aludiendo al barrio de la aristocracia porteña que apoyaba a los milicos cuando en una oración sentencia.. "pero no bombardeen Barrio Norte". Describe la guerra que ve pasar por encima de los pibes argentinos, nombra a Clash y al disco del momento Sandinista! (puede haber una alusión ideológica allí también) pero también necesita que lo dejen tranquilo, habla en primera persona cuando grita "ni siquiera puedo comer un bife y sentirme bien"y acusa el mal pasar "tengo hambreee". Aunque algunos se confundan y piensen que García es García en sus letras y no un personaje.

El disco cuenta con varios invitados como Spinetta, Aznar, Mestre, Lebón, Leon Gieco. Garcia toca todos los instrumentos salvo la batería que estaba a cargo de Willy Iturry. La presntación se hizo en el Estadio de Ferro ante 25000 personas. El show fue auspiciado por Fiorucci, marca de jeans internacional por el cual Charly fue criticado en su momento y le pregonaban que se había vendido al sistema. El mismo artista se mofaría de si mismo en su canción "Transas". Pero Charly nunca estuvo afuera del sistema sino más bien combatiéndolo desde adentro. Con su arte. No le pidan que descienda con un fusil por la selva tucumana; el tipo dispara canciones.

El show es muy recordado por haber destruído en el penúltimo tema la escenografía que había hecho Renata Shussheim, (pareja de Cachorro López, bajista de Los Abuelos de la Nada e integrante de la banda de García en ese momento) que mostraba una serie de edificios tras los músicos. Para lograrlo caían fuegos artificiales sobre los edificios que simulaban una explosión. Esto demostraría como Charly se desenvolvería a través de los años por los escenarios.

Yendo de la cama al Living cierra con "Peluca Telefónica" donde cantan Aznar, Luis Alberto y el mismo García. "Yo no quiero volverme tan loco", un tema de Serú con un tempo más tranquilo y a dúo con Gieco. "Inconsciente Colectivo" de la época también anterior que popularizó Mercedes Sosa más tarde.

Virus. "Recrudece" 1982

Producido: Virus

Ingeniero: Amilcar Gilabert

En el año 1982 los milicos organizaron el Festival de la Solidaridad Latinoamericana con la excusa de juntar alimentos, ropa y demás para proveer a los chicos que ellos mismos habían mandado a la absurda guerra de Malvinas. Fueron convocados todos los artistas del rock de ese momento. Los jefes del Proceso querían acercarse a la juventud en plena debacle militarista y de poder que estaban teniendo los militares en ese momento. En el festival estuvieron casi todos. Charly, Spinetta, Lebón, Porchetto, Pappo, Lito Nebbia. Todos menos Virus. La Banda de los Moura fueron invitados pero no aceptaron. Ellos sabían que los milicos no iban a cumplir con lo prometido y toda esa recaudación iba a ir a parar a las cuentas de estos. Federico, Julio y Marcelo conocían en carne propia lo que fueron los años de terror de la dictadura. Delante de sus ojos se llevaron a su hermano mayor, Jorge. Jorge era militante del ERP y está desaparecido. Así que no se iban a comer el verso de los asesinos. En aquel momento, también los músicos fueron invitados a la casa Rosada con el fin de apoyar al rock desde el gobierno. Los milicos veían que su poder estaba acabando y quisieron acercarse a la masa popular que en ese momento cubría el rock. Prometieron crear una revista de Rock y un tren que llevara a todas las bandas de gira por el país. Proyectos que jamás se cumplieron.

A raíz de la guerra de Malvinas, el estado Argentino prohibió que en las radios se pase música en inglés, y es allí donde el rock nacional tomó más curso. Raro caso de artistas antes censurados como Mercedes Sosa, León Gieco, Victor Heredia, rotaban por todas las emisoras ahora que los milicos veían caer su gobierno. De todas formas el COMFER (Comité Federal de Radiodifusión) seguía censurando letras cuando se daban por aludidos. Estos actos de censura Virus los saltó de una manera Olímpica. Fue tanta la inteligencia irónica que desplegaban sus canciones (apoyadas en la pluma del letrista Roberto Jacoby -artista del Di Tella y colaborador en la CGT de los Argentinos, amigo de Federico-, gran creador de algunas de las metáforas de las letras de Virus) que no se daban cuenta el metalenguaje que utilizaban para mandar las más filosas críticas.

Recrudece es el segundo disco de la banda y está lleno de mensajes. Dispara contra los militares (El Banquete) contra los medios de comunicación (Reportaje Sincero y Anti convencional), contra el rock demodé (Ay que Mambo, Bandas chantas); también describe de un modo irónico la idiosincrasia argentina (Me fascina la Parrilla), monta un espectáculo de voyeurismo en un colectivo (El 146). Es un disco de rock que toma la forma post punk y algunos rasgos de The Police. Es difícil encasillarlo en algún genero. Es un disco con canciones menos rápidas que el disco anterior (Wadu Wadu) y más prolijo, tal vez. Está producido por Virus y grabado por Amilcar Gilabert. Es una joya que quedó relegada por mucho tiempo, tal vez porque al grupo no le termino de convencer el sonido en general, tal vez por el posterior exito de los futuros albumes, tal vez porque Daniel Grinbank que manejaba el sello que editó el disco (DG discos) no les dió tanta bola porque prefería priorizar a Mercedes Sosa, Charly, que estaban en sus filas también. La tapa es una foto de la banda a color, con un fondo negro y una especie de escalera dibujada en naranja rojiza. Se los ve menos flacos que en el disco anterior, a Mario Serra siempre en pose macho alfa mirando desafiante a cámara y en la otra punta a Federico, que encierra un nivel de sensualidad que atraía tanto a mujeres como a hombres.

En fin, es un disco esencial, que manda mensajes por todos lados, pero hay que tener la capacidad de captarlos. Federico decía que había que mover el cerebro para entenderlos. Por eso los llamaban frívolos, fríos, sin compromiso. Así los Moura y compañía generaron exactamente lo que querían generar. Tipos inteligentes si los ha habido che.